Post Rock

Per anni, i Son Lux sono stati spesso indicati come una band one-man composta dal fondatore / compositore / cantante Ryan Lott, che ha pubblicato il suo primo album con questo nome nel 2008. Il meraviglioso At War with Walls & Mazes ha introdotto il mondo a Lott’s composizioni ultraterrene, che spesso sembrano paesaggi sonori più delle “canzoni” reali.

Il suono unico di Son Lux sfida la categorizzazione, ma è spesso posto sotto l’ombrello post-rock perché con ogni album il suono continua ad espandersi e diventare più stratificato. Durante le esibizioni dal vivo Lott invitava i musicisti con cui gli piaceva lavorare sul palco con lui, anche se non erano mai membri ufficiali della band. Lott non è mai stato uno che si riposava sugli allori e, quando divenne più popolare, iniziò a collaborare con artisti come Lorde e Sufjan Stevens (con i quali Lott e Serengeti condividono il progetto Sisifo)

Questo è cambiato con l’uscita nel 2015 di Bones che ha visto Lott invitare il percussionista Ian Chang e il chitarrista Rafiq Bhatia a far parte di Son Lux. Non è un caso che nel quarto album intitolato in modo appropriato, il quarto LP della band, il suono sia diventato quasi da stadio, con brani come “Your Day Will Come” e “Undone” che uniscono malinconia a arrangiamenti maestosi che si potrebbe quasi definire un suono rock. La band è nel bel mezzo di un tour che li vedrà portare i loro spettacoli negli Stati Uniti nella primavera del 2016, a partire da ora sono stati così gentili da rispondere ad alcune domande su Bones e sul futuro della band dal loro periodo a Parigi .

Originally I expected Lott to answer all of them, I have to confess hearing back from both Chang and Bhatia made me even more excited to what’s next for Son Lux.

Ryan, you learned piano when you were young, as a method of discipline, but you’ve mentioned music wasn’t a big part of your life. When you became a musician did you go back and try to “catch up” with all the music you’d missed during your childhood?

Ryan Lott: Ho scoperto la musica mentre stavo scoprendo me stesso, o almeno, quella che sembra la prima fase senziente di me. La musica è diventata una parte importante della mia vita mentre stavo stabilendo la mia identità, distinta dalla cultura o dalle preferenze della mia famiglia. Quindi non ho sentito molta musica all’inizio della vita, figuriamoci ascoltarla, ma ho iniziato rapidamente ad assorbire una vasta gamma di cose al liceo e, naturalmente, al college alla scuola di musica. Ma avevo ancora molte lacune nella mia esperienza di musica popolare. Solo quando lavoravo nella pubblicità, facevo musica per le pubblicità, dovevo familiarizzare con un sacco di cose. Il mio compito principale per anni come compositore di personale in una casa di musica era quello di emulare. In tal modo, ho guadagnato un apprezzamento per le cose che avevo licenziato all’inizio o che avevo perso del tutto.

Il processo di creazione di un album da solo, deve essere stato molto interno. Com’è stato fare musica con una band e discutere effettivamente i tuoi pensieri con altre persone durante il processo creativo? Hai trovato difficile uscire dai tuoi metodi precedenti?

Ryan Lott: È stato molto naturale, ma solo perché la chimica è giusta tra noi e c’è un fondamento di fiducia. Ciò significa che ogni idea che arriva al tavolo è valida e potrebbe avere il potenziale per illuminare nuove entusiasmanti direzioni. Cerco di sfidarmi a cercare nuovi modi di fare le cose e pensare alle cose, quindi nella misura in cui Rafiq e Ian presentano uno “shock al sistema” del mio processo, lo accolgo con favore.

Vedi i tuoi album come concetti precisi fin dall’inizio, o pezzi che si uniscono più scrivi? Puoi darci qualche informazione sulla selezione delle tracce per ogni disco.

Ian Chang: In un certo senso, è un po ‘di entrambi. Su Bones , c’è sicuramente un tema per catturare e ricontestualizzare momenti effimeri, ma quel tema è nato da un processo intuitivo all’inizio. Era qualcosa che noi tre eravamo naturalmente entusiasti di esplorare insieme.

Hai scritto We Are Rising in meno di un mese come parte di una sfida NPR, trovi che fissare obiettivi come questi ti aiuta a essere più creativo o ti mette semplicemente sotto stress?

Ian Chang: Ryan in genere lavora davvero molto velocemente, e farà più versioni di una canzone prima di sceglierne una. Penso che We Are Rising lo abbia costretto a fidarsi del suo primo istinto con le sue idee, e sono contento che l’abbia fatto!

Bones è circondato da concetti di “rivolta sociale”. C’era un tema politico nella tua mente quando hai iniziato a comporre questo?

Ian Chang: Non c’era. In effetti, i testi sono in genere scritti per ultimi.

Con ogni album il tuo suono sembra crescere, forse mi sbaglio, ma potrei rilevare alcuni “inni da stadio” in Bones , diresti che mentre la tua carriera va avanti, pensi di suonare in luoghi più grandi e questo influenza il tuo suono?

Ian Chang: Quando realizziamo l’album, non consideriamo consapevolmente lo spettacolo dal vivo, per non parlare del tipo di locali che speriamo di suonare. Tuttavia, penso che la nostra chimica in diretta, e le esibizioni risultanti che suoniamo abbiano un effetto subconscio su come ci esprimiamo. Un esempio è il modo in cui Ryan ha scoperto diverse gamme di intensità ed espressione dalla sua voce durante un tour delle Lanterne nel 2014. Questa scoperta mostra davvero su Bones .

I tuoi spettacoli dal vivo tendono ad avere molta improvvisazione, è difficile raggiungere un compromesso tra fare nuove versioni di brani dell’album per soddisfare le tue esigenze creative e forse provare a soddisfare i fan che si aspettano di ascoltare una replica dal vivo dell’album ?

Rafiq Bhatia: Riteniamo che il disco e il palcoscenico siano due mezzi totalmente diversi: ciò che funziona bene in uno non si traduce necessariamente elegantemente nell’altro. Vediamo anche la registrazione come una sorta di punto medio nel processo creativo e prendiamo conforto nel fatto che le canzoni continueranno ad evolversi nell’esecuzione. La sfida diventa trovare un modo per bilanciare il nostro amore per la sorpresa – che è centrale nell’etica di Son Lux – e il nostro desiderio di mantenere le parti dell’originale che funzionano meglio sul palco. Ma penso che il nostro pubblico si auto-selezioni in un certo senso; si divertono anche a confrontarsi con l’imprevisto. Per questo motivo, spesso scopriamo che i nostri fan ci ringraziano per essersi allontanati significativamente dai dischi quando suoniamo dal vivo.

Il tuo punteggio per The Disappearance of Eleanor Rigby è stato assolutamente mozzafiato. Ricordo male di aver tirato fuori il telefono alla fine della proiezione stampa per Shazam il pezzo dai titoli di coda. Mi piaceva il modo in cui l’uso dell’elettronica era così organico e funzionava così perfettamente per la storia d’amore travolgente. Ritieni che le persone tendano ad avere idee sbagliate sull’elettronica che suona distante? La tua intenzione è di dimostrarli sbagliati?

Rafiq Bhatia: per gran parte della storia umana, la musica è stata prodotta dalle azioni dirette dei corpi umani, delle persone che influenzano il loro ambiente. La scienza cognitiva ci ha mostrato che quando ascoltiamo la musica, immaginiamo i movimenti che hanno prodotto i suoni e i ritmi che stiamo ascoltando. Nella misura in cui la musica elettronica è intrinsecamente dissociata da quel processo, può effettivamente sentirsi disconnessa. Certo, ha anche i suoi punti di forza nell’affascinare le persone, incluso il potere sonoro e la presenza che possono avere un effetto più fisico. Basta sperimentare la direttività del sub basso sintetizzato forte e puro che scuote la cassa toracica per un momento per sapere quanto può essere viscerale.

Con Son Lux, cerchiamo di sposare i punti di forza del mezzo acustico naturale con quelli di quello elettronico. Molti dei nostri elementi “elettronici” in realtà sono nati come una persona che suona uno strumento in una stanza. Su Rigby , ad esempio, una trama chiave proveniva da accordi di due note che ho seguito sulla chitarra, in loop e invertiti, che Ryan ha quindi mappato su una tastiera e suonato a diversi ritmi per creare un nuovo strumento. Ci sono tracce dell’umanità a cui inconsciamente aggrapparsi. Da qualche parte lì dentro, puoi percepire le dita contro il metallo.

Adoro la voce in “You Don’t Know Me”, ed è stato sorpreso di apprendere che erano voci vocali che hai registrato mentre eri malato. Ora, ogni volta che ascolto la canzone, mi ricordo di prendere un po ‘di vitamina C. Trovi che più sappiamo come è fatta l’arte che amiamo, meno diventa il suo potere emotivo?

Rafiq Bhatia:In realtà abbiamo evitato storicamente di fornire questo tipo di dettagli sulle nostre canzoni. Più conosci le intenzioni dell’artista, meno spazio c’è per la tua immaginazione di creare il suo resoconto personalizzato di ciò che una canzone parla. Ma penso che abbiamo detto più del solito ultimamente in parte perché, mentre per noi è di fondamentale importanza che ogni individuo sia in grado di avere il suo rapporto unico con la musica, sappiamo anche che non stiamo vivendo (o creando) nel vuoto. A volte riveliamo un dettaglio più piccolo sul processo nella speranza che ispiri ulteriore contemplazione, pur non togliendo l’esperienza individuale come farebbe una dichiarazione più grande sul contesto di una canzone. Perché dovremmo scegliere di usare quelle voci sforzate, e per attirare la tua attenzione sul fatto che sono tesi? Cosa potrebbe suggerire quella decisione sulla natura o l’urgenza del messaggio?